奢侈品向来不被认为是艺术，且充满了俗世拜金的味道。而艺术品却被常认为神圣且无法用金钱衡量，它高高在上，受人顶礼膜拜。然而，随着艺术自身形态与疆域的转变，观念先锋们开始打破时尚与艺术的界限。奢侈品牌也逐渐意识到艺术为商业带来的巨大影响力和推动力，所以，二者的结合越来越紧密，表现形式越来越多样，呈现的内涵也越来越具深度和扩展性。

艺术家与品牌的合作

    伊夫·圣·洛朗借用荷兰抽象艺术大师皮特·蒙德里安的名作《红黄蓝构图》设计出了举世闻名的蒙德里安裙，这也许是最早将艺术与时尚结合的成功典范。在艺术越来越贴近生活的今天，艺术家为奢侈品牌进行创作设计也屡见不鲜，中国当代艺术家丁乙应邀为爱马仕设计名为“中国韵律”的丝巾，蔡国强与日本著名设计师三宅一生合作“爆炸时装”，村上隆为路易威登设计全球知名、引发抢购的樱桃包，当代水墨艺术家蓝正辉和著名舞蹈演员黄豆豆合作《梦想之路》助阵宝马的产品开幕展。

    事实上，在艺术家与品牌合作的过程中，艺术家创作的自由度成为我们最为关注的话题。艺术家自我底线在何处，能不能完全释放自己、表达内在，会不会受到商业的限制和束缚，是否唯品牌的意愿马首是瞻等，都是值得思考的问题。曾与LV、Gibo等大牌合作过的英国时尚插图画家Julie Verhoeven说道：“艺术是完全的自我放纵，你不用为他人着想。时尚则不同，你不能完全地荒谬。”尽管艺术创作与商品设计有界限和功能的区别，但在互相尊重的前提下，艺术家在品牌创作中呈现出另类的表达，令奢侈品更具艺术性；而品牌为艺术家提供更为广阔的创作空间，实现双赢。

美术馆与品牌的合作

    最早期奢侈品涉足艺术圈多半是赞助艺术家或针对各类艺术大展的冠名。相对于这种相对温和的接触，直接在博物馆、美术馆里做展览则成为近年来品牌最钟爱的形式。并非奢侈品牌一相情愿的靠拢，艺术与奢侈品本就有千丝万缕的联系。同样是讲究美感、同样注重品质、同样具备文化意涵、同样表达观念，也正因为如此，美术馆才有了与奢侈品牌合作办展的可能性和连续性。

    2009年北京故宫博物院首推卡地亚珠宝大展；2011年初在中央美术学院美术馆举行的“PRADA中国首秀服装展”才刚过，2011年5月，国家博物馆又迎来了路易威登艺术时空之旅展览；11月，中国美术馆继续“文化香奈儿”艺术展。

    知名品牌运用艺术馆的文化氛围和耳目一新的展览形式，集成种种新型概念和有趣的想法，更深入地去阐述奢侈品牌的文化内涵，还有比这更创新的方式么？尤其“文化香奈儿”带给我们的并不只是服装、香水和手稿，还有自香奈儿创建以来，与文学家剧作家音乐家艺术家交流的绘画、影像、雕塑、手稿等。诚如其名，这个展览带给我们的更像一个文化艺术展而非商品展，能让我们更深刻地了解到二十世纪整个法国文化氛围以及到底什么才是“时尚”。

    尽管这些展览引来一些争议，但这种将文化、艺术、商业有机结合的时尚大展确实令人耳目一新，这种模式也引发了对于如何理解艺术和时尚的关系的思考。国家博物馆馆长吕章申说：“丝绸、瓷器、玉器、青铜器，当年何尝不是奢侈品，但今天却都成为我们文明最辉煌的巅峰之作。”从奢侈品的溯源发展和品牌文化中，我们不仅可以看到欧美近代的文明发展史，亦可了解他们不同时期对于美的不同解读。了解西方品牌独特的文化品味和审美体系，以及它们到底如何为当时的社会带来新生的文化变革。

   其实，艺术与时尚跨界结合并不那么令人不安。艺术离我们不远，奢侈品也不那么世俗化，它们都是人类智慧与手艺的产物，却服务于我们的生活。我们需要的品味实际上是一种追求美好的生活态度。在艺术与时尚大玩跨界的当下，对于各种高水准、高品质的时尚艺术展览，只要能为大众提供美的分享或者关于美的思考与引导，都是值得支持和赞许的。因为时尚本身就是一种美的呈现。